Gerhard Richter citações famosas

A arte é a forma mais elevada de esperança.

A pintura é a minha profissão, porque sempre foi a coisa que mais me interessou. Tenho uma certa idade, venho de uma tradição diferente e, em todo o caso, não posso fazer mais nada. Ainda tenho muita certeza de que a pintura é uma das capacidades humanas mais básicas, como dançar e cantar, que faz sentido, que fica conosco, como algo humano.

Agora não restam padres ou filósofos, os artistas são as pessoas mais importantes do mundo.

Não sei como posso descrever a qualidade que só é encontrada na arte (seja música, literatura, pintura ou qualquer outra coisa), essa qualidade, está lá e perdura.

Uma vez que não existe tal coisa como a rectidão e a verdade absolutas, perseguimos sempre a verdade humana artificial e dirigente. Julgamos e fazemos uma verdade que exclui outras verdades. A arte desempenha um papel formativo nesta fabricação da verdade.

A arte é o meio ideal para entrar em contacto com o transcendental, ou pelo menos para se aproximar dele.

Falar de pinturas não é apenas difícil, mas talvez também inútil. Você só pode expressar em palavras o que as palavras são capazes de expressar-o que a linguagem pode comunicar. A pintura não tem nada a ver com isso.

A arte mostra-nos como ver as coisas que são construtivas e boas, e como ser parte activa disso.

Acho o período romântico extraordinariamente interessante. As minhas paisagens têm ligações com o romantismo: por vezes sinto um verdadeiro desejo, uma atracção por este período, e algumas das minhas fotografias são uma homenagem a Caspar David Friedrich.

Sou grata pela existência da Igreja, grata por ter feito coisas tão grandes, dando - nos leis, por exemplo - 'tu farás' e 'não farás', e estabeleceu o bem e o mal. É isso que todas as religiões fazem, e assim que tentamos substituí-las, religiões mundanas como o fascismo e o comunismo assumem o controle.

É claro que me desespero constantemente com a minha própria incapacidade, com a impossibilidade de alguma vez realizar alguma coisa, de pintar um quadro válido e verdadeiro ou mesmo de saber como deve ser tal coisa. Mas tenho sempre a esperança de que, se perseverar, isso possa acontecer um dia. E esta esperança alimenta-se cada vez que aparece algo, um indício disperso, parcial," inicial "de algo que me faz lembrar aquilo que anseio, ou que transmite uma indício disso", embora muitas vezes tenha sido enganado por um vislumbre momentâneo que depois desaparece, deixando para trás apenas a coisa habitual.

Muitas vezes preciso de muito tempo para entender as coisas, para imaginar uma pintura que eu possa fazer.

A fotografia é a imagem mais perfeita. Ela não muda; é absoluta e, portanto, Autónoma, incondicional, desprovida de estilo. Tanto na sua forma de informar, como no que informa, é a minha fonte.

Gosto de tudo o que não tem estilo: dicionários, fotografias, natureza, eu e os meus quadros. (Porque o estilo é violento, e eu não sou violento.)

As minhas pinturas são mais sábias do que eu.

Imaginar as coisas, ter uma visão, é o que nos torna humanos; a arte faz sentido e dá forma a esse sentido. É como a busca religiosa de Deus.

Sou ridiculamente antiquado.

A arte deve ser séria, não uma piada. Não gosto de rir da arte.

Quero conteúdo pictórico sem sentimento, Mas quero-o o mais humano possível

Vou ao estúdio todos os dias, mas não Pinto todos os dias. Adoro brincar com os meus modelos arquitectónicos. Adoro fazer planos. Podia passar a vida a arranjar coisas.

Passam-se semanas e não Pinto até que finalmente não aguento mais. Estou farto. Eu quase não quero falar sobre isso, porque eu não quero me tornar autoconsciente sobre isso, mas talvez eu crie essas pequenas crises como uma espécie de estratégia secreta para me esforçar.

O ano é sempre correcto, também o mês, só o dia pode ser outro. Mas isso só me ocorre no momento em que o escrevo.

Quase todas as obras de arte são uma analogia. Quando faço uma representação de algo, isto também é uma analogia com o que existe; faço um esforço para controlar a coisa, retratando-a. Prefiro evitar qualquer coisa estética, para não colocar obstáculos à minha maneira e não ter o problema de as pessoas dizerem: 'Ah, sim, é assim que ele vê o mundo, essa é a sua interpretação.'

Penso que a arte tem uma certa correcção, como na música, quando ouvimos se uma nota é falsa ou não

É claro que as imagens de objetos também têm esse lado transcendental. Cada objecto, fazendo parte de um mundo em última análise incompreensível, incorpora também esse mundo; quando representado numa imagem, o objecto transmite este mistério tanto mais poderosamente, quanto menos uma 'função' a imagem tem. Daí, por exemplo, o fascínio crescente de muitos belos retratos antigos.

A tinta para as pinturas cinzentas foi previamente misturada e depois aplicada com diferentes instrumentos - por vezes um rolo, por vezes um pincel. Só depois de os pintar é que, por vezes, senti que o cinzento ainda não era satisfatório e que era necessária outra camada de tinta.

O que me atraiu nos meus espelhos foi a ideia de não ter nada manipulado neles. Um pedaço de espelho comprado. Apenas pendurado lá, sem qualquer adição, para operar imediatamente e diretamente. Mesmo correndo o risco de ser chato. Mera demonstração. Os espelhos, e ainda mais as vidraças, também foram certamente dirigidos contra Duchamp, contra o seu grande vidro.

Comecei a fazer 'figuras', depois, um dia, de repente, comecei a fazer abstracção. E então comecei a fazer as duas coisas. Mas nunca foi realmente uma decisão consciente. Era simplesmente uma questão de desejo. Na verdade, eu realmente prefiro fazer um trabalho figurativo, mas a figura é difícil. Então, para contornar a dificuldade, faço uma pausa e Pinto abstratamente. O que eu realmente gosto, a propósito, porque me permite fazer belas pinturas.

O meu método está relacionado com uma tentativa de fazer algo que possa ser entendido pelo mundo de hoje, ou que possa pelo menos proporcionar compreensão. Por outras palavras, fazer algo que compreendo e que todos compreendem. Este desejo natural de comunicação encontra-se também noutros domínios, como a leitura e o discurso, etc. Também detesto repetir-me; não me dá qualquer prazer. Uma vez que tenha entendido alguma coisa, tenho de começar por um novo caminho.

Ao contrário da fotografia e das gravuras, nunca catalogei, acompanhei ou exibi os esboços. Vendi alguns ocasionalmente, mas nunca me vi como um artista gráfico. No entanto, tornaram-se mais importantes para mim graças à exposição, e apercebi-me de que, afinal, estes desenhos eram bastante interessantes.

Nunca encontrei nada que faltasse numa tela desfocada. Muito pelo contrário: nele se vê muito mais coisas do que numa imagem bem focalizada. Uma paisagem pintada com exactidão obriga-o a ver um determinado número de árvores claramente diferenciadas, enquanto numa tela borrada pode perceber quantas árvores quiser. A pintura é mais aberta.

As imagens são a ideia em forma visual ou pictórica; e a ideia tem de ser legível, tanto na imagem individual como no contexto colectivo - o que pressupõe, naturalmente, que as palavras sejam usadas para transmitir informações sobre a ideia e o contexto. No entanto, nada disto significa que as imagens funcionem como ilustrações de uma ideia: em última análise, elas são a ideia. A formulação verbal da ideia também não é uma tradução do visual: tem simplesmente uma certa semelhança com o significado da ideia. É uma interpretação, literalmente uma reflexão.

Uma obra de arte é, em si mesma, um objecto, em primeiro lugar, pelo que a manipulação é inevitável: é um pré-requisito. Mas precisava de uma maior objectividade da fotografia para corrigir a minha maneira de ver: por exemplo, se desenho um objecto da natureza, começo a estilizá-lo e a modificá-lo de acordo com a minha visão pessoal e a minha formação. Mas se eu pintar a partir de uma fotografia, posso esquecer todos os critérios que recebo destas fontes. Posso pintar contra a minha vontade, por assim dizer. E isso, para mim, pareceu-me um enriquecimento.

A fotografia quase não tem realidade; é quase cem por cento de imagem. E a pintura tem sempre a realidade: pode - se tocar na pintura; tem presença; mas produz sempre um quadro-não importa se é bom ou mau. Essa é toda a teoria. Não é bom. Certa vez, tirei algumas pequenas fotografias e depois borrei-as com tinta. Isso resolveu parcialmente o problema, e é realmente bom - melhor do que qualquer coisa que eu possa dizer sobre o assunto.

De facto, foi apenas através do negociante Fred Jahn que consegui ultrapassar a minha reserva sobre as obras em papel e exibi-las. A isto acresce, naturalmente, o facto de, depois de dez anos, poder ver as aquarelas sob uma luz diferente e, em conjunto com os quadros pintados posteriormente, terem pelo menos tornado-se mais compreensíveis para mim.

Pintar quadros é simplesmente o funcionário, o trabalho quotidiano, a profissão e, no caso das aguarelas, mais cedo posso dar-me ao luxo de seguir o meu estado de espírito, o meu Espírito.

Fotografias de família, fotografias de grupos, são verdadeiramente maravilhosas. E eles são tão bons como os velhos mestres, tão ricos e tão bem compostos (o que isso significa de qualquer maneira).

Quando eu pinto a partir de uma fotografia, O pensamento consciente é eliminado. Não sei o que estou a fazer. O meu trabalho está muito mais próximo do Informel do que de qualquer tipo de realismo. A fotografia tem uma abstracção própria, que não é fácil de ver.

No que diz respeito à superfície - Óleo Sobre Tela, aplicado convencionalmente - as minhas fotografias têm pouco a ver com a fotografia original. Eles estão totalmente pintando (o que quer que isso signifique). Por outro lado, são tão semelhantes à fotografia que a coisa que a distingue de todas as outras imagens permanece intacta.

Talvez a escolha seja negativa, na medida em que estava a tentar evitar tudo o que tocava em questões conhecidas-ou quaisquer questões, quer pictóricas, sociais ou estéticas. Tentei não encontrar nada demasiado explícito, daí todos os assuntos banais; e depois, mais uma vez, tentei evitar que o banal se transformasse na minha questão e na minha marca. Portanto, é tudo uma acção evasiva, de certa forma.

Talvez as portas, cortinas, quadros de superfície, Painéis de vidro, etc. são metáforas do desespero, motivadas pelo dilema de que o nosso sentido da visão nos leva a apreender as coisas, mas ao mesmo tempo restringe e impede parcialmente a nossa apreensão da realidade.

As primeiras tabelas de cores não eram sistemáticas. Basearam-se directamente em amostras de cores comerciais. Eles ainda estavam relacionados à Pop art. Nas telas que se seguiram, as cores foram escolhidas arbitrariamente e desenhadas por acaso. Em seguida, 180 tons foram misturados de acordo com um determinado sistema e desenhados por acaso para fazer quatro variações de 180 tons. Mas, depois disso, o número 180 pareceu-me demasiado arbitrário, pelo que desenvolvi um sistema baseado numa série de tons e proporções rigorosamente definidos.

Com base nas misturas das três cores primárias, juntamente com o preto e o branco, chego a um certo número de cores possíveis e, multiplicando-as por duas ou quatro, obtenho um número definido de campos de cores que multiplico mais uma vez por dois, etc. Mas a realização completa deste projecto exige muito tempo e trabalho.

Creio que ele sabia mais o que estava a fazer. Posso estar absolutamente errado quanto a isto, mas essa foi a minha impressão.

O cinzento é certamente inspirado nas fotopinturas e, claro, está relacionado com o facto de eu pensar que o cinzento é uma cor importante-a cor ideal para a indiferença, para a cerca, para o silêncio, para o desespero. Em outras palavras, para estados de ser e situações que afetam um, e para o qual se gostaria de encontrar uma expressão visual.

A arte é sempre, em grande medida, sobre necessidade, desespero e desesperança.

Você pode compará-lo aos sonhos: você tem uma linguagem pictórica muito específica e individual que você aceita ou que pode traduzir precipitadamente e erroneamente. Claro, você pode ignorar sonhos, mas isso seria uma pena, porque eles são úteis.

Não sei o que motivou o artista, o que significa que as pinturas têm uma qualidade intrínseca. Penso que Goethe a chamou de 'dimensão essencial', aquilo que faz grandes obras de arte grandes.

Na verdade, a informação factual - nomes ou datas - nunca me interessou muito. Essas coisas são como uma linguagem estranha que pode interferir com a linguagem da pintura, ou mesmo impedir o seu surgimento.

Com um pincel você tem controle. A tinta vai no pincel e você faz a marca. Por experiência própria, sabe exactamente o que vai acontecer. Com o rodo perde-se o controlo.