Antoni Tapies citações famosas

A arte deve levar o espectador a pensar no sentido da vida.

Pintar rapidamente é um ato calculado para bloquear o pensamento racional.

Sinto o desejo, ou melhor, a necessidade intensa, de fazer algo útil para a sociedade, e é isso que me estimula. Em todas as situações, procuro sempre aquilo que é positivo e benéfico para os meus concidadãos.

Com o meu trabalho procuro ajudar o homem a superar a sua alienação; faço-o cercando a sua vida quotidiana com objectos que o confrontam de forma táctil com os problemas finais e mais profundos da nossa existência. Quero que os meios que Emprego para criar o estímulo necessário sejam o mais directos possível. Em vez de dar um sermão sobre humildade, muitas vezes prefiro descrever a própria humildade.

Nunca vejo as ideias estéticas como tendo uma existência puramente própria, mas como uma função que têm em relação a valores políticos ou morais.

Se alguém desenha as coisas de uma maneira que fornece apenas a pista mais simples para o seu significado, o espectador é forçado a preencher as lacunas usando sua própria imaginação. É obrigado a participar no acto criativo, que considero muito importante.

Todas as minhas imagens são uma espécie de revisão da minha ideia original. Isto é certamente muito diferente da forma como os artistas japoneses ou chineses trabalham: os seus temas são pré-ordenados, enquanto os meus são inventados à vontade.

A mais alta sabedoria adota o mais humilde dos corpos.

Obviamente, a intenção não era voltar a imagens tradicionalmente valorizadas como imagens e formas dignas ou sagradas, mas exactamente o contrário; o seu objectivo principal tinha de ser realizar como Arte Sacra qualquer coisa que até agora tinha sido considerada de pouco valor e lamentável.

Há algo de evocativo na ideia de destruição. Este acto de destruição é a expressão de uma ideia... aquilo a que chamamos realidade não é de todo real. Quando Desenho uma cabeça, por exemplo, sinto imediatamente um desejo de a destruir, de a apagar, porque o desenho apenas capta uma aparência exterior e, para mim, a questão vital é o que está por detrás da forma visual da cabeça.

O artista tem de fazer o espectador compreender que o seu mundo é demasiado estreito, tem de se abrir a novas perspectivas.

A tatuagem só pode existir como parte da pele, pois um desenho é sempre uma incisão no material e, portanto, não pode ser separado dele.

É o que torna consciente das condições e leis de observação que se aplicam desta forma tornar-se um tema por si só. A actividade da consciência, em função da forma como o próprio trabalho prossegue, torna-se assim objecto da minha atenção e é precisamente por causa desta atitude voyeurística em relação à própria observação e experiência do sujeito que a dimensão analítica consciente do trabalho mostra.

O artista pode, com razão, aventurar-se na opinião de que não transmite ideias, não prega, nem pretende converter pessoas utilizando técnicas de comunicação de massa... Melhor do que dar todos os tipos de conselhos sábios, ele poderia mostrar a própria vida; ele poderia despertar forças adormecidas em todos. Ele poderia lançar um convite para criar experiências diretas e pessoais.

A minha ilusão é ter algo para transmitir. Se não posso mudar o mundo, pelo menos quero mudar a forma como as pessoas olham para ele.

Eles estavam lutando com telas, usando cores violentas e pinceladas enormes. Cheguei com quadros cinzentos, silenciosos, sóbrios e oprimidos. Um crítico disse que eram pinturas que pensavam.

Como um investigador no seu laboratório, sou o primeiro espectador das sugestões extraídas dos materiais. Libero as suas possibilidades expressivas, mesmo que não tenha uma ideia muito clara do que vou fazer. À medida que acompanho o meu trabalho, formulo o meu pensamento, e desta luta entre o que quero e a realidade do material - desta tensão - nasce um equilíbrio.

No potencial do absurdo, esconder - se na combinação díspar dos vários assuntos diferentes que em si não passam de itens diários igualmente na representação exclusiva de um item normal retirado do seu contexto habitual , é de longe o mais radical - no seu efeito comparável a um koan Zen japonês-paradoxo a ser testemunhado, que a arte moderna produziu, um dos impulsos mais fortes que dele geraram.

Em momentos de sorte, esta emanação poderia sobrecarregar o espectador de tal forma que, devido a todo o tipo de associações no seu pensamento, ele poderia finalmente ser levado para aquelas áreas que também me comoveram tão profundamente e me fizeram pensar que deveria chamar a atenção dos outros para isso.

A presença material da obra serve apenas de guia para lançar um convite ao observador para participar no jogo global das mil e uma emoções e visões.

Uma imagem não significa nada. É apenas uma porta que conduz à porta ao lado. Nunca vai acontecer que encontremos a verdade que procuramos apenas numa imagem; vai acontecer atrás da última porta que o espectador descubra a verdade, por causa dos seus próprios esforços.

Uma cruz poderia ser uma forma para expressar algo espaçoso, como os coordenadores do espaço. Isso poderia ser chamado de seu primeiro significado ou sua primeira relevância.

Os dramáticos sofrimentos dos adultos e todas as fantasias cruéis daqueles da minha idade, que pareciam abandonados aos seus próprios impulsos no meio de tantas catástrofes, pareciam inscrever-se nas paredes à minha volta.

Começando com a aproximação do local onde a pintura deve ser feita, enquanto isso percebendo o vazio da mente, até o método do 'branco voador', da Regra do traço singular do pincel... há uma tradição própria em que o artista está plenamente consciente do facto de que só a espontaneidade pura e vazia lhe permite abraçar sem hesitar todas as aparições e penetrar verdadeiramente nas raízes das coisas.

Relembrar as pessoas do que se trata, na realidade, dando-lhes um tema sobre o qual ponderar, criando um choque dentro delas, tirando-as da ilusão de não autenticidade, permitindo-lhes tomar consciência das suas verdadeiras possibilidades.

No nosso mundo, em que as imagens religiosas estão a perder o seu sentido, em que os nossos costumes estão a tornar-se cada vez mais seculares, estamos a perder o sentido do Eterno. Penso que é uma perda que causou muitos danos à arte moderna. A pintura é um regresso às origens.

Quando falo da realidade, penso sempre no essencial. A profundidade não está localizada numa região remota e inacessível. Está enraizado na vida quotidiana.

Muitas vezes disse aos fanáticos do realismo que não existe realismo na arte: só existe na mente do observador. A arte é um símbolo, uma coisa que evoca a realidade na nossa imagem mental. É por isso que também não vejo qualquer contradição entre arte abstracta e Arte figurativa.

Interessa - me o estudo, a reflexão, a filosofia-mas sempre como diletante. Considero-me também um diletante como pintor.

Que país é real, o meu ou o do professor? O meu desejo é que percamos progressivamente a nossa confiança naquilo em que pensamos acreditar e naquilo que consideramos estável e seguro, para nos lembrarmos do número infinito de coisas que ainda estão por descobrir.

Minhas atividades nunca tiveram nada a ver com a ideia de se tornar famoso ou alcançar o sucesso. Sempre me preocupei em fazer com que as pessoas me ouvissem. Em tudo o que faço ... o meu objectivo é fazer ouvir as pessoas. Quero comunicar as coisas que amo e em que acredito, porque penso que as pessoas podem obter um benefício geral delas. O que eu realmente quero é o sucesso em um sentido filosófico: quero que as pessoas compreendam algo das ideias e esperanças que expresso na pintura.

Eu diria de improviso que sou uma pessoa ansiosa. Preocupo-me com tudo. Preciso de saber tudo. Tendo a viver num estado de ansiedade com a sensação de que a vida é uma espécie de grande catástrofe.

Alcançar o contacto com a realidade não é transportar - se para outro lado; não é transcendência, mas imersão completa no ambiente-uma realidade que não é puramente física nem metafísica, mas ambas ao mesmo tempo.