Jerry Saltz citações famosas

Coloque-se na posição de um artista promissor que vive na Itália do início do século XVI. Agora imagine tentar distinguir-se dos outros artistas que vivem na sua cidade: Michelangelo, Rafael, Leonardo ou Ticiano. É de admirar que a Alta Renascença italiana tenha durado apenas 30 anos?

Para nos envolvermos com a arte, temos de estar dispostos a errar, aventurar-nos fora das nossas zonas de conforto psíquico, suspender a descrença e lembrar que a arte explora e altera a consciência simultaneamente.

Quando as pessoas nos estádios fazem a onda, é o organismo coletivo grupo-mente que se organiza espontaneamente para expressar uma emoção, passar o tempo e refletir a alegria de ver os ritmos de muitos como um só, uma rima visual ou música em que todos sentem para onde o movimento está indo.

Bilhões de fotos são tiradas todos os anos, e a coisa mais difícil que um fotógrafo pode fazer é inventar um estilo visual original, profundamente pessoal e instantaneamente reconhecível. No início dos anos noventa, Wolfgang Tillmans fez exatamente isso, transformando-se em um novo tipo de artista-fotógrafo da vida moderna.

A arte é uma forma de mostrar ao mundo exterior como é o seu mundo interior.

'Summer of Love: Art of The Psychedelic Era', a viagem de 40 anos do Museu Whitney pela memória da contracultura, proporciona momentos de diversão agitada, mas vai deixá-lo apenas confortavelmente entorpecido. Para começar, pode ser o show mais branco, mais reto e mais conservador visto em um museu de Nova York desde que a psicodelia era nova.

A arte está a mudar. Outra vez. Toma. Agora. Oportunidades para testemunhar isso são raras, então participe e observe.

Na arte, o escândalo é uma narrativa falsa, Uma cortina de fumo que camufla em vez de revela. Quando não sabemos o que estamos a ver, reagimos de forma exagerada.

A maior obra de arte de Nova Iorque? A questão parece nebulosa. A magia e a majestade da cidade são destiladas nas fotografias de Alfred Stieglitz e Paul Strand.

Artistas que trabalham para outros artistas têm tudo a ver com conhecer, aprender, desaprender, iniciar diálogos artísticos de longo prazo, fazer conexões, criar covens e obter abrigo temporário da tempestade.

Fora dos museus, em praças públicas barulhentas, as pessoas olham para as pessoas. Dentro dos museus, deixamos esse reino e entramos no que poderia ser chamado de mente de grupo, ficando quietos para olhar para a arte.

A abstração é uma das maiores ferramentas visionárias já inventadas pelos seres humanos para imaginar, decifrar e representar o mundo.

O verão é uma ótima época para visitar museus de arte, que oferecem o enxágue refrescante das piscinas - só que em vez de água fria, você mergulha na arte.

O Metropolitan Museum of Art levou quase 50 anos para acordar com Pablo Picasso. Não possuía uma de suas pinturas até 1946, quando Gertrude Stein legou aquela indomável imagem quase cubista de si mesma-um retrato do escritor como um Buda de sumô - ao Met, principalmente porque ela não gostava do Museu de Arte Moderna.

Quando os museus são construídos nos dias de hoje, arquitetos, diretores e curadores parecem mais preocupados com o espaço social: Lugares para fazer festas, jantar, doadores de Vinho e jantar. Claro, estes são importantes nos dias de hoje - os museus têm de trazer dinheiro - mas eles devoram espaço e empurram a própria arte para longe da entrada.

A fotografia é a coisa mais fácil de fazer, e uma das coisas mais difíceis de fazer bem.

A arte geralmente só é notícia na América quando o assunto é dinheiro.

Apropriação é a ideia que comeu o mundo da arte. Vá a qualquer Galeria Chelsea ou bienal internacional e você vai encontrá-lo. Está lá em pinturas de fotografias, fotografias de publicidade, escultura com objetos prontos, vídeos usando filmes já existentes.

Missão cumprida. O segundo andar do Museu de Arte Moderna, de teto alto e super-reforçado, foi para todos os efeitos construído para acomodar instalações monumentais e esculturas gigantescas, se necessário. Surgiu.

Marlene Dumas é uma das duas ou três artistas femininas mais bem sucedidas vivas, se você julgar pelos preços. Eu nunca revi seu trabalho, porque não encontro nada nele para ficar animado, não importa o quanto eu pareça.

As grandes novas pinturas de Mark Grotjahn abundam com torrentes de impasto ropy, dispostas em matagais, ondas em cascata e feixes que incham, trançam ou se sobrepõem.

Muitos dizem que um negociante de arte que gere um museu é um conflito de interesses. Mas talvez o mundo da arte tenha vivido uma mentira artificial ou não intencional todos estes anos quando se trata de conflitos de interesses.

John Baldessari, o conceitualista de 79 anos, passou mais de quatro décadas fazendo arte-sobre-arte conceitual lacônica e irônica, boa e má.

O estilo da arte egípcia antiga é transcendentemente claro, algo que crianças de 8 anos podem reconhecer em um instante. A sua consistência e codificação é uma das viagens visuais mais épicas de toda a arte, que dura 30 dinastias espalhadas por 3.000 anos.

Provavelmente, só um mundo da arte como eu poderia atribuir um significado mais profundo a algo tão simples e bobo como Tebowing. Mas, para nós, sempre que as pessoas repetem uma postura ou uma pequena dança, sozinhas ou juntas, vemos que isso pode significar alguma coisa. A linguagem imagética e não dita é a nossa coisa.

O cubo branco gigante está agora a impedir, em vez de melhorar, os ritmos da arte. Ele pré-programa a jornada do espectador, muda a ênfase do processo para o produto e carece de individualidade e abertura. Não é que a arte deva ser vista apenas em ambientes bombardeados, mas deve parecer viva.

A alquimia da boa curadoria equivale a isso: às vezes, colocar uma obra de arte perto de outra torna uma mais uma igual a três. Duas obras de arte dispostas alquimicamente deixam cada uma intacta, transformam ambas e criam uma terceira coisa.

Agora, as pessoas olham para 'o grito' ou para as 'íris' de Van Gogh ou para um Picasso e vêem o seu novo conteúdo: o dinheiro. As casas de leilões equiparam inerentemente capital com valor.

Adoro negociantes de arte. De certa forma, são as minhas pessoas favoritas no mundo da arte. A sério. Eu amo que eles coloquem seu dinheiro onde estão seus gostos, criem seus próprios universos estéticos, apoiem artistas, empregem pessoas e façam tudo isso enquanto nos deixam ver arte de graça. Muitos são visionários.

É claro que a ética no mundo da arte é importante. Mas os museus não são mais puros do que qualquer outra instituição ou empresa. Os académicos não são necessariamente mais elevados do que os galeristas.

Muitos museus estão atraindo audiências com arte que é ostensivamente mais divertida do que coisas que apenas se sentam e convidam à contemplação. Interatividade, aparelhos, comer, sair, coisas que fazem barulho - tudo agora é a norma, muitas vezes superando muito mais.

A carreira de Lucian Freud afirma que a única coisa que um artista pode fazer é permanecer fiel a qualquer visão, (falta de) talento ou ideias que os tenham escolhido para serem divulgados ao mundo.

Vivendo e trabalhando por quatro décadas em um apartamento e estúdio em Bolonha que dividia com suas irmãs solteiras, Morandi pintou pouco além de garrafas, caixas, potes e vasos. No entanto, tal como o de Chardin e o subestimado William Nicholson, o trabalho de Morandi parece abrandar o tempo e mostrar-lhe coisas que nunca viu antes.

Se ao menos pudéssemos persuadir as Galerias a observar um período de pousio em que, durante dois meses a cada dois anos, novas e antigas obras de arte poderiam ser vendidas em salas traseiras e todas as galerias principais seriam dedicadas a revisitar mostras passadas.

Apercebi-me de uma nova abordagem ao fazer arte nas recentes mostras de museus e galerias. Ele brilhou em foco no Novo Museu 'Younger Than Jesus' no ano passado e percorreu a Bienal Whitney, e eu estou vendo isso florescer e dar frutos em 'Greater New York', a extravagância duas vezes por década do MoMA P. S. 1 de talentos locais emergentes.

Gostaria de poder escrever sobre espectáculos fora de Nova Iorque. Muitas vezes sinto-me a última pessoa a saber alguma coisa, porque quase nunca saio da cidade e, quando o faço, costumo ir três dias no máximo. Ver entre 30 e 40 mostras por semana em cerca de 100 galerias e museus ocupa quase todo o meu tempo.

Vejo cerca de 100 espectáculos por mês, desde palácios do tamanho de Niketown, onde se sente vontade de gritar, até vitrines em Bushwick. Cada um tem que pagar as contas; manter os artistas felizes; e lidar com colecionadores (oy!), curadores (ay-yi-yi), críticos (woo-hoo!) e, ocasionalmente, Canalizadores. O facto de a sua vida fiscal estar muitas vezes em jogo só contribui para a energia.

Vejo de 30 a 40 exposições de galerias por semana, e não importa em que tipo de humor eu esteja, não importa quão ruim seja a arte, quase sempre me sinto melhor depois. Posso aprender tanto com a má arte como com a boa.

Muitas vezes encontro-me a falar em particular de muita arte britânica, pensando que, excepto pelos seus jardins tremendos, os ingleses não são principalmente artistas visuais e são, de forma quase insuperável, literários.

Gosto de algo sobre George W. Bush. Muito. Depois de passar mais de uma década a ter reacções quase fisiológicas-químicas sempre que o via, a receber os heebie-jeebies sempre que falava - depois de ter a certeza desde o início de que era um Gremlin na ala da América - gosto muito das pinturas de George W. Bush.

Não planeio as minhas visitas com rigor, mas tenho uma lista de cerca de 125 galerias de Nova Iorque, espaços alternativos, museus e assim por diante que visito regularmente. Essa é a coisa mais próxima que tenho de uma estratégia: eu vou a muitos lugares, muitos que os artistas não visitam.

Se a Frieze Art Fair se concretizar, imagino que pelo menos duas grandes coisas aconteçam. Primeiro, teremos mais uma vez uma grande feira de arte na cidade que não é muito irritante para ir. Mais importante ainda, Frieze pode finalmente mostrar aos Nova-iorquinos que podemos atravessar as nossas próprias águas para a cultura visual. Isso mudaria tudo.

Imagine que estamos em 1981. És um artista, apaixonado pela arte, apaixonado pela história da arte. Você também é uma mulher, quase sem mentores para olhar; a história da arte simplesmente não gosta de você. Qualquer mulher que se aproximasse da história da arte no início dos anos oitenta tentava entrar num país quase estrangeiro, um domínio restrito e excludente que falava uma língua privada.

De certa forma, Lawler é uma Diane Arbus conceptual. Ela é uma perseguidora que se aproveita das situações. Ela puxa as cortinas para trás, fazendo com que as coisas normais pareçam bizarras e as bizarras se tornem mundanas.

O trabalho de Koons sempre se destacou por sua perfeição única, teatralidade épica, um impulso corrompido, quase doentio, de purificação e uma obsessão pelos valores artísticos tradicionais.

As pinturas de Kinkade são schmaltz inúteis, e os meios de comunicação lamestream que o amam estão errados. No entanto, eu adoraria ver um museu montar uma pequena mostra do Trabalho de Kinkade. Gostaria que o mundo da arte e o resto do mundo discutissem sobre ele em público, ao ar livre.

Levei vinte anos para conseguir o trabalho de Steven Parrino. Desde o momento em que vi pela primeira vez a sua arte, em meados dos anos oitenta, quase sempre a descartei como uma abstracção educada, romântica, estereotipada, conceptualista-formalista do heavy metal.

Assim como Pollock usou o gotejamento para fundir processo e produto, Richter 'encontrou' e usou a mancha e o borrão para arrebatar os olhos, criando obras de poder psíquico e físico.

Jeffrey Deitch é o Jeff Koons dos negociantes de arte. Não porque ele seja o maior, o melhor ou o mais rico da sua espécie. Mas porque, de certa forma, ele é o mais estranho (o que diz muito quando se fala das criaturas maravilhosas, perversas, amáveis e irritantes conhecidas como negociantes de arte).

É ótimo que Nova York tenha grandes espaços para arte. Mas a enorme caixa Imaculada tornou-se um lugar datado, mesmo opressivo. Muitos desses espaços foram projetados para instalações extensas, grandes pinturas e o trabalho de Estética relacional dos últimos quinze anos.